Empecemos por decir qué es el FL Studio, según la Wikipedia:
FL Studio (antiguamente Fruity Loops) es una estación de audio digital(DAW), Desarrollado por la compañía belga Image-line Software.

FL Studio ofrece un espacio de trabajo totalmente automatizable centrado en un secuenciador basado en patrones. Su ambiente incluye un soporte avanzado de MIDI e incorpora numerosas utilidades para la edición, mezcla y grabación de audio. Cuando se completa una canción o clip puede ser exportado a microsoft WAV o MP3.

Área de trabajo o interfaz de usuario:
Step Sequencer :

Los canales del Step Sequencer, es lo primeros que usarás para componer. Por lo menos esa es mi manera de trabajar. Cada canal tiene como puedes ver en la imagen, como 16 botones o 16 pasos, si hablamos adecuadamente. Si sabes algo de música, estos pasos representan un 16avo. de nota. Si no tienes idea de música, y te fijas bien, cada 4 botones o pasos cambia de color. Son cuatro grupos con cuatros pasos como un golpe, así que 16 pasos son los cuatro golpes de un loop de batería clásico.

En la imagen de abajo, como verán, he marcado varias cosas (pido disculpa si esta un poco improlijo): en la zona roja, es para dar play, stop o grabar, también verán un número ( en este caso 130) que es el tiempo o velocidad en que estará la canción: esto se llama bpm (se cambia haciendo click con el botón derecho del mouse); y en la zona verde son los diferentes pat o pista o canales que iremos seleccionando a medida que vamos componiendo la música.
He marcado cuatro golpes, o he activado cuatro botones:

Como lo muestra la imagen, hay cuatro canales que siempre lo tendrán cada vez que abran el FL Studio. Nos servirán para hacer la parte rítmica de nuestra composición. Lo veremos en más detalle en próximo artículos.

En la imagen de abajo, esta tomada de una canción entera. Como podrán observar, podemos poner cuantos canales que queramos, siempre y cuando nos aguante la ram. Hay algunos instrumentos virtuales que hace que el FL Studio sea goloso con nuestra memoria.

Lo más interesante, es que estos canales se pueden editar con lo que se llama el piano Roll, que se accede señalando a un canal y hacemos click con el botón derecho y nos saldrá la opción de ir al piano roll:

Es el centro neurálgico de la creatividad, porque aquí no solo podemos crear patrones rítmicos sino también nuestras melodías:

Una vez que tenemos ya todo los canales con nuestra composición, la vamos armando en lo que se llama el Play list:

Otra zona de trabajo muy importante en el FL Studio es el Mixer, en donde vamos a asignar los efectos que deseemos a cada canal como también nos servirá para hacer la mezcla de nuestra canción.

El FL Studio tiene una herramienta que se llama "Generadores de Sonidos", pues son instrumentos virtuales:

Una de las formas de asignar un instrumento a un canal es el siguiente:

Hacemos click en un canal con el botón derecho del mouse y vamos a insert, nos saldrá una lista de los instrumentos que tenemos.

Esto es todo por hoy, seguiré escribiendo sobre el FL Studio, este post solo es nociones básicas como para que empieces a tocar e investigar. Como todas las cosas, para que aprendas a usarlo, debes dedicarle algunas horas, viendo que hace cada cosa, experimentando. Al principio costará, pero a la larga se ve los frutos.

Les dejo una canción, como diría mi amigo Emmanuel, gran elocuente, para que vean las posibilidades de este gran programa, que no solo se hace música tecno.

El secuenciador es un programa o software (también los hay físicos), diseñado para la creación de eventos musicales. En él podemos crear, tanto pistas melódicas o rítmicas, las cuales se pueden editar para luego reproducirlas en forma individual o simultánea. Además de poder editar cada pistas a nivel individual, los secuenciadores nos permite trabajar esas pistas en cuando al volumen, efectos, ecualizarlas, etc.

Si hilamos más fino, vamos a la definición que nos da la Wikipedia:

Un secuenciador es un dispositivo electrónico físico o una aplicación informática que permite programar y reproducir eventos musicales de forma secuencial mediante una interfaz de control físico o lógico conectado a uno o más instrumentos musicales electrónicos. El interfaz de control más extendido es el estándar MIDI.

El secuenciador es la herramienta principal de composición, programación y control sobre los equipos de instrumentación electrónica musical (sintetizadores, samplers, cajas de ritmo, procesadores de señal, etc).

Como vemos hay muchas palabras que tal vez no conozcas, pero las vamos a tratar más adelante, como por ejemplo, ¿Qué es midi? ¿Qué es un sampler? ¿Qué es un sintetizador?, etc.

Los secuenciadores más conocidos son: Ableton, Cubase, Reason, Logic, Sonar, Nuendo, Fl Studio, que a su tiempo iremos hablando de ellos.

Es importante recalcar que los secuenciadores no tienen sonidos propios, sino que utilizan los de la Tarjeta de Sonido. Lo que el secuenciador hace es informar a la Tarjeta de cuando debe reproducir una nota, con que volumen sonará, cuanto durará, etc. Por lo tanto la calidad del sonido no depende del Software (secuenciador) sino del Hardware (Tarjeta).

El grupo se formó en 1996 en San Fernando, provincia de Cádiz y sus fundadores son Narci Lara y Jose Luis Godoy a los que se unió Antonio Ruiz. Compusieron entre septiembre y diciembre de 1996 su primera maqueta, titulada "La Cripta del Duende".

Después grabarían otras tres maquetas: "Regreso a las Tierras Medias", "Legado de juglares" y "Orígenes".

En septiembre de 2000 Godoy deja la banda pero lo sustituye Raúl Rueda. También entra a formar parte José A. Gil para dedicarse a los bajos y coros.

En el año 2001 graban su primer disco: "El Guardián de las Melodías Perdidas", el cuál fue bien acogido en la escena musical española y gracias a ésto, pudieron hacer una gira a la que llamaron "Juglar Tour" y les llevó por gran parte de España.

En este disco nos envuelve en una historia conceptual en la que nos sumergimos en un mundo con un trasfondo medieval y juglaresco que a su vez reclama la pasion por la fantasia.

En el 2003 lanzaron un disco doble titulado "Sombras del Este" íntegramente basado en el primer libro de la trilogía "El Señor de los Anillos" de J. R. R. Tolkien, "La Comunidad del Anillo", y con colaboración de la Sociedad Tolkien Española. Este disco les conduce a una gira por España y son llamados para participar en varios festivales como Viña Rock o Lorca Rock.

A principios de 2003 el cantante, flautista y gaitero Narci Lara comienza a tener problemas de garganta y por recomendación médica, deja de cantar. Tras un breve parón entran al grupo Miguel Ángel Franco(voz) y José Antonio Gallardo (bajo). Deciden regrabar una antigua canción con la nueva formación para comprobar el sonido con el nuevo vocalista. La canción elegida es "Las Minas de Moria" del disco "Sombras del Este". El resultado es inesperado. En ocasiones parece encaminado al Thrash Metal e incorpora sonidos electrónicos junto a los antiguos violines y flautas. Deciden no tirar hacia esa dirección, pero toman ciertos matices para usarlos en el futuro (como ya puden escuchar en el disco de rarezas y caras B que está incluido en la reedición del disco Legado de Juglares llamado "Sinfonías de los Bosques")

En el 2005 publican su tercer disco "Legado de Juglares" e inician una gira llamada “Historias del Juglar Tour”, incorporando espectáculo en sus conciertos a cargo de malabaristas, actores, pirotecnia, saltimbanquis…(aunque desde sus inicios ya insertaban espectáculo en los conciertos). A pesar de su buen momento, a mitad de gira Sophia, la violinista, abandona el grupo por cuestiones personales, entrando Santiago Carrasco para encargarse de los teclados.

Mientras finalizan la gira, entran a grabar su cuarto disco. Este nuevo disco sería llamado "JuglarMetal", que salió a la venta el 20 de febrero de 2006 y editado posteriormente en México.

En el 2008, el grupo regresa con ‘Once Romances desde Al-Andalus‘, con un sonido mas conseguido y más heavy que nunca elaborando un complejo álbum alabado por el público y la crítica basado en la literatura y la cultura andaluza en su estado más puro.

Me ha gustado mucho esta banda, especialmente por todo el aire mitológico y medieval que contienen sus letras. Para aquellos que quieran iniciar una partida de rol, la música de Saurom les será fuente de inspiración.

Su página oficial: Saurom

Fuente: Wikipedia

Angra es el grupo de Power Metal y progressive metal mas conocido de Brasil después de Sepultura. El nombre Angra significa, en la mitología de los antiguos pobladores de Brasil, "Dios del Fuego". La banda se formó en en 1991 y estaba compuesta por el vocalista André Matos (ex Viper), los guitarristas Rafael Bittencourt y Kiko Loureiro, el bajista Luís Mariutti y el batería Marco Antunes. Antes de sacar su primer disco, Angels Cry, Marco Antunes dejó la banda para ser reemplazado por Alex Holzwarth para la grabación y, posteriormente, por Ricardo Confesori de forma más definitiva. Esta formación duraría hasta el año 2000.

Influenciada por el melodic/heavy metal clásico de grupos como Helloween o Stratovarius el estilo de Angra continúa en la línea de las guitarras rápidas con altísimos componentes de carácter melódico y voces agudas al estilo de Michael Kiske o Bruce Dickinson.

En el año 1993, publican su primer álbum Angels Cry que los volverán mundialmente conocidos.

En 1996 Angra, con su cautivador Holy Land, quizá su mejor y más completo trabajo que, con canciones como Carolina IV, llega al máximo esplendor en materia de power metal sinfónico de los años 90.

En 1998, publican su tercer disco, quizá el más heavy de todos, Fireworks, pero al romper el caracter melódico que mantenía la banda, provocará la fragmentación del grupo. Sólo quedaron Loureiro y Bittencourt, quienes reclutaron a Edu Falaschi, actual vocalista del grupo y antiguo cantante del grupo Symbols, al bajista Felipe Andreoli y al batería Aquiles Priester.

La nueva formación demostró su calidad en su siguiente disco, Rebirth (2001), un auténtico renacimiento de la banda y donde el power metal más clásico vuelve a dominar el centro de las composiciones.

En 2004, su siguiente disco se presenta como un trabajo de metal progresivo resultado de tres años de trabajo continuo en donde Rafael Bittencourt y Kiko Loureiro nos brindan los solos más rápidos que se habían escuchado en la historia de la banda. Temple Of Shadows supone un cambio, una fusión entre el power metal y el heavy progresivo. Este disco es una estupenda mezcla de distintos estilos musicales, (típicos de Brasil o no) donde consiguen sacarle el máximo partido a cada instrumento. Así mismo, cuenta con varias colaboraciones de otros artistas famosos y consolidados del panorama musical del metal. Como curiosidad, decir que el disco entero describe el recorrido de un personaje desde su nacimiento hasta su resurrección.

Este disco conto con las colaboraciones de Hansi Kursch (Blind Guardian) para el tema Wings Of Destination. Kai Hansen (Gamma Ray) en el Tema Temple Of Hate, Sabine Edelsbacher (Edenbridge) en los Temas Spread Your Fire y No Pain For The Dead, finalmente el cantante brasileño Milton Nascimento colabora en el tema Late Redemption

En Julio de 2006 empieza la grabación de su último disco titulado Aurora Consurgens (basado en un libro del siglo XIV) manteniendo los mismos componentes del grupo. En Octubre, el disco salió al mercado. Como innovación, el primer single pudo ser descargado desde la página oficial (incluidas las portadas). A diferencia de Temple of Shadows, no es un disco conceptual, aunque si temático y habla de algunos de los distintos estados mentales que un humano puede llegar a tener. Este CD se caracteriza por un sonido mucho más potente, directo, más heavy metal y no tan power metal como en discos anteriores. Sin embargo sigue sin perder la esencia que caracteriza a Angra, que son los toques progresivos (muy bien utilizados) y los arreglos brasileños (The Course of Nature, So Near so Far).

Fuente: Wikipedia y algunos arreglos mios

DISCOGRAFIA:

Sus orígines provienen de Oxford en 1984 con la formación de un grupo llamado Shake Appeal, nombrado tras una canción de sus principales influencias, The Stooges. Formado por un vocalista y guitarrista Adam Franklin y Jimmy Hartridge, un cantante Graham Franklin (hermano de Adam), el bajista Adi Vines y el batería Paddy Pulzer; Shake Appeal reprodujo los sonidos del garage rock americano de finales de los años 1960 y primeros 1970. El grupo escribió lo que se convertiría el primer clásico de Swervedriver "Son of Mustang Ford", sin embargo después de unos pocos años la banda pareció descomponerse cuando Graham y Paddy decidieron abandonar la banda.

El resto de componentes ficharon al batería Graham Bonnar, pero por ese tiempo el sonido del grupo mutó drásticamente bajo la influencia de la música de guitarras de bandas americanas como Dinosaur Jr. y Sonic Youth. Así que con una nueva formación y un nuevo sonido llegó el nuevo nombre, Swervedriver.

Su primer disco se titula "Raise", salido en 1991, el cual estoy escuchando en estos momentos. Podría decir que es bastante interesante, a pesar de sus guitarras distorcionadas y tocadas con mucha fuerzas, conservan buenas melodias.

En 1992, el baterista Bonnar dejó plantada a la banda en la frontera canadiense con menos de media docena de fechas en su gira como cabezas de cartel por Estados Unidos. Se convocó a Danny Ingram de Washington DC para que reemplazara a Bonnar por el resto de fechas por EEUU y una corta gira por Japón. Danny Ingram también participó en la gira por Europa y Reino Unido. En 1993, el grupo – con Ingram todavía en la batería – hizo una gira por EEUU como teloneros de Soundgarden. Tras una aparición en el festival Huldstfred en Suecia, Vines salió de la banda para formar la banda heavy metal Skyscraper. La última publicación de material con la formación inicial fue el EP "Never Lose That Feeling" que parecía el final de Swervedriver.

Cuando todo parecía perdido, en 1993 surgieron de nuevo con su álbum "Mezcal Head", ahora con el nuevo baterista reclutado, Jez. La producción y el sonido fue mejorado ampliamente, y el álbum les dio su más famoso sencillo "Duel", presentado como una de las primeras canciones del género shoegazer. El álbum mantiene claramente una conexión permanente con sus fans americanos, y los hizo más famosos allí que en su país nativo. Durante esta época, la conocida cara b "The Hitcher" que se publicó en el EP "Last Train to Satanville" es considerada una de las favoritas de los fans.

1994 comenzó con la incorporación de un nuevo bajista Steve George, junto con una gira extensa por Estados Unidos (teloneando a The Smashing Pumpkins), Japón y Europa. Sin embargo por entonces el género shoegazing en Reino Unido estaba muerto, sustituido por un movimiento más popular denominado Britpop capitaneado por bandas como Oasis y Blur. En ese momento, Creation Records echó a la banda del sello justo una semana después de la publicación en Reino Unido en 1995 de su álbum "Ejector Seat Reservation". Nunca fue publicado en EEUU donde podría haber seguido la estela de su anterior disco. Con esta obra, se vio a una banda que crecía en sus visiones rebeldes y recibía buenas críticas. No obstante sin el apoyo de una compañía de discos, estaba condenado a ser su aventura discográfica menos vendida. Esto se convierte en el comienzo de sus largos problemas de sello para la banda que los fans titularon como la "maldición de Swervedriver con los sellos discográficos".

Una opinión personal al párrafo anterior: eso pasa cuando las modas dominan a las grandes discográficas, y en su afán de vender a más no poder, muchas veces se deja de lado a músicos con gran talento, solo porque no entran en los cánones convencionales. La música nunca pasa de moda, es una expresión tan personal y subjetiva con el fin de dar un mensaje o no. La moda es inventada con el fin de comercializar desmedidamente. Creo que Swervedriver, cayo en esta trampa y se los dejó de lado. Negarles su presencia en las discográficas es negarles que hayan evolucionado.

Su cuarto y último álbum "99th Dream" fue publicado finalmente en 1998 tras firmar con Zero Hour Records en EEUU. Éste continuaba la evolución que comenzó con "Ejector Seat Reservation". Dibujando menos sonidos grunge de la primera época pero manteniendo sus riffs de guitarra suntuosos y psicodélicos unidas a las letras y voces ahogadoras de Franklin. El grupo añadió un mayor rango de influencias musicales, por ejemplo el nombre de la canción "99th Dream" se escribió como una protosecuela a la canción de Bob Dylan, "115th Dream". Hubo una exitosa gira por EEUU, Reino Unido y Australia pero no fue más importante que para el tradicional culto de seguidores.

El EP "Wrong Treats" publicado en 1999 se convertiría en la última pieza como un grupo existente, anunciaron ese mismo año un paro que dura hasta hoy. Adam Franklin continúa publicando discos bajo su nueva banda, Toshack Highway.

En 2005, Castle Music publicó una antología de Swervedriver titulada "Juggernaut Rides" que contenía 33 canciones, incluyendo muchas canciones sólo disponibles en EPs y otras inéditas.

Sacado de Wikipedia con algunos aportes mios

Swervedriver – Wrong Treats

Lo llamativo de esta banda es el empleo del órgano, un Hammond x123, que lo emplean muy bien. Lo lamentable es su corta carrera musical, se separaron oficialmente el 7 de diciembre de 2006, pero el 14 de octubre de este año, lanzaron un EP de 6 canciones llamado "Thieves".

Katie Sketch conoció a Sarah Efron (bajo y teclado) y a Barb Choit (organo, guitarra y bajo), con quienes formó el trio instrumental "Full Sketch", Katie se ocupaba de la batería. Despues de un año Barb dejó el grupo para concentrarse en su carrera artística y el grupo se disolvió. Katie y Sarah se juntaron con Jenny Smyth, quien reemplazaria a Barb en el organo, y formaron "The Organ". Su idea era hacer el mismo tipo de musica que con "Full Sketch" pero cantando. La banda probó con diferentes músicos durante 3 años hasta su completa formación en el año 2002 con Katie, Jenny, Sarah, Shelby Stocks en la batería y Debora Cohen a la guitarra. Ese mismo año grabarón el EP "Sinking Hearts". Al poco tiempo, Sarah Efron dejó el grupo para centrarse en su carrera como periodista, siendo sustituida por Ashley Webber.

Grab That Gun, titulo del disco, pasó más tiempo en la cima de la radio canadiense que las anteriores grabaciones de la banda. Las canciones del disco tratan sobre la melancolía y la obsesión por el amor, la soledad, la tristeza y el dolor. Las letras las escribe la líder y voz del grupo, Katie, sobre experiencias personales e introspectivas.

The Organ comenzó a viajar a través de Canadá, los Estados Unidos y Europa. También produjeron un vídeo de la canción "Brother", (dirigido por Robert Morfitt) posiblemente el más fuerte de las siete nuevas pistas que aparecen en el disco. El vídeo consistió en un montaje limpiamente franco de la cinta que funciona sobre una etapa malhumoradamente (encendida). Una nueva version ficticia del vídeo de "Brother" puede ser visto durante la tempo

Brother, The Organ

Lo que sobresale de esta banda es su cantante Morrissey, por sus polémicas letras y por su guitarrista Johnny Marr, haciendo que la guitarra cobrara protagonismo en una epoca en la que el teclado en el pop era lo más sobresaliente en el ambiente britanico. A Morrissey se lo llamó como el Oscar Wilde de su generación.

La música de los The Smiths está influenciada del rock de los 60 y 70, especialmente del rockabilly y del glam rock, estilo entre cuyas bandas representativas se hallaban algunos ídolos de Morrissey como los New York Dolls y Marc Bolan.

Historia 

La banda fue fundada en 1982 por dos jóvenes de Manchester, Johnny Marr y Steven Patrick Morrissey, aunque este último es más conocido por su apellido, Morrissey. Marr estaba buscando gente para formar una banda cuando unos amigos suyos le hablaron acerca de un joven que vivía cerca y que tenía un estilo particular de escribir, aunque le advirtieron que era difícil de tratar. Era Morrissey, un joven cuya vida era difícil y se refugiaba en la literatura (especialmente en Oscar Wilde, al que haría más de un homenaje en muchas de sus canciones), y ya era conocido en algunos círculos de Manchester, habiendo cantado en una banda llamada The Nosebleeds de corte punk y en la cual no encajaba por su estilo vocal y actitud en el escenario. Había intentado hacer periodismo musical pero había desistido. Es entonces cuando Marr se pone en contacto con él, iniciando una historia musical hoy mítica.

Mike Joyce fue reclutado como batería tras una corta audición y Dale Hibbert bajista al comienzo, pronto fue reemplazado por Andy Rourke, amigo de Marr.

El origen del nombre se basa en la historia de David Smith, quien denunciara ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de los páramos (Moors Murders). Sin embargo, en una entrevista en 1984 Morrissey dijo que llamó así a la banda porque era el nombre más común y ordinario y pensaba que era hora de que la gente más ordinaria se mostrara al mundo.

La banda firmó con el sello discográfico Rough Trade Records y editó su primer single, "Hand in Glove", el 13 de mayo de 1983. El single fue promocionado por el DJ John Peel pero aún así no le fue bien en las listas, suerte que mejoraría con los siguientes, "This Charming Man" y "What Difference Does It Make?". La banda comenzó a generar un notable culto de seguidores, en parte debido a la identificación de los seguidores con las letras de Morrissey.

El Primer Disco: The Smiths

Fue editado en 1984 y llegó hasta el puesto número 2 de las listas inglesas y resultó ser más calmado y con menos energía que lo que apuntaban sus sencillos. En él existen múltiples referencias a la literatura y cultura pop que admiraba Morrissey. La portada del disco, por ejemplo, está compuesta por una foto de Joe Dallesandro en la película de Paul Morrissey, Flesh.

Este disco generó varias controversias relacionadas sobre todo con "The Hand That Rocks The Cradle" y "Reel Around the Fountain". Ambas provocaron acusaciones del tabloide británico The Sun y la revista The Sounds por promover la pedofilia. "Suffer Little Children", canción que trataba sobre la tortura y asesinato de varios niños cometido por Ian Brady y Myra Hindley en Manchester durante la infancia de Morrissey, causó la ira del abuelo de una de las víctimas que lo escuchó en un pub, a pesar de que la canción no apoyaba los asesinatos ni a los asesinos. Morrisey incluso llegó a trabar amistad con Ann West, madre de la víctima Lesley Ann Downey, mencionada en la canción.

El Segundo Disco: "Meat Is Murder" 

A principios de 1985 la banda lanzó su segundo álbum, Meat Is Murder. Este álbum fue mucho más estridente y político que su predecesor, e incluía una canción (la pista titular) a favor del vegetarianismo (Morrissey le había prohibido al resto del grupo que fuesen fotografiados comiendo carne), el republicanismo liviano de "Nowhere Fast", y las canciones en contra del castigo corporal "The Headmaster Ritual" y "Barbarism Begins At Home". Musicalmente, la banda se volvió más aventurera, con Marr agregando riffs de rockabilly en "Rusholme Ruffians" y Rourke un solo de Bajo de funk en "Barbarism Begins At Home".

El álbum fue precedido por el relanzamiento de la cara B "How Soon Is Now?" como sencillo, que originalmente no aparecía en el álbum pero fue agregada en ediciones subsiguientes. "Meat Is Murder" fue el único álbum de la banda que llegó al primer puesto de las listas británicas.

El Tercer Disco:  "The Queen Is Dead" 

Este es mi disco preferido, tal vez sea porque por este conocí a esta banda:

Durante 1985 la banda completó agotadoras giras por el Reino Unido y los Estados Unidos mientras grababan su siguiente álbum de estudio, The Queen Is Dead, que fue lanzado en junio de 1986, inmediatamente después del sencillo "Bigmouth Strikes Again". Este álbum, con su típica mezcla de lo sombrío ("Never Had No One Ever", que parecía referirse a los estereotipos de la banda), lo humorístico ("Frankly, Mr Shankly", un supuesto mensaje al jefe de Rough Trade Geoff Travis disimulada como una carta de renuncia de un trabajador para su superior) y varias canciones que sintetizaban ambos lados ("There Is a Light That Never Goes Out" y "Cemetary Gates"), llegó al puesto número 2 de las listas de Reino Unido, y suele ser considerado su mejor obra. En 1989, la revista SPIN ubicó a "The Queen Is Dead" en el primer puesto de su lista de "The Greatest Albums Ever Made" ("Los Mejores Álbumes Jamás Grabados").

El Cuarto Disco:  "Strangeways, Here We Come"

1987 comenzó bien para la banda: el single "Shoplifters of the World Unite" (una de las canciones de los Smiths favoritas de Morrissey) fue lanzado a principios del año y tuvo éxito y causó algo de controversia entre padres, sobre la posibilidad de que incitara a los chicos a robar. Fue seguido por un segundo compilado, The World Won’t Listen (el título se refiere al comentario de Morrissey sobre su frustración por la falta de reconocimiento de la banda en el mainstream, aunque irónicamente el álbum llegó al segundo puesto en los charts), y el single "Sheila Take A Bow", el segundo (y último) éxito de la banda que llegó a los primeros diez lugares. Otro compilado, Louder Than Bombs, fue preparado para el mercado norteamericano y contenía gran parte del mismo material que The World Won’t Listen, pero con la adición de "Sheila Take A Bow" y de material de Hatful Of Hollow, ya que ese compilado no había sido lanzado aún en los Estados Unidos.

La Separación:

A pesar de su éxito, diferencias personales dentro de la banda – incluyendo un aumento de la tensión en la relación entre Morrissey y Marr – dejó a la banda al borde de la disolución, y cuando Strangeways, Here We Come (llamado así por la prisión Strangeways de Manchester) fue lanzado en septiembre de 1987, la banda ya había dejado de existir. La separación fue atribuida al hecho de que a Morrissey le molestaba el trabajo de Marr con otros artistas, y a que Marr se sentía frustrado por la poca flexibilidad musical de Morrissey. Marr, en particular, odiaba la obsesión que tenía Morrissey por hacer versiones de artistas de pop de los años 1960, como Twinkle y Cilla Black. Refiriéndose a las canciones que la banda grabó en su última sesión juntos (lados B para el single "Girlfriend In A Coma, que salió antes del lanzamiento del álbum, Marr dijo, "Yo escribí "I Keep Mine Hidden", pero odié a "Work Is a Four Letter Word". Eso fue el colmo, realmente. No formé un grupo para tocar canciones de Cilla Black"

Fuente: Wikipedia

How Soon is Now?

En la Wikipedia tenemos más o menos dos definiciones:

1- El término indie proviene del inglés independent -independiente en español- y se refiere en general a cualquiera de los géneros, panoramas, subculturas y atributos estilísticos y culturales, con un acercamiento autónomo y un nivel de planteamiento que se reduce al lema "hazlo tú mismo".

2- El término Indie se suele usar (incorrectamente) para referirse a un sonido nuevo que un músico presenta. Originalmente está ligado a las condiciones de producción y circulación de su obra, refiriendose a aquellos musicos que producen su obra de manera independiente (palabra de donde deriva el termino) y no a un género musical.

En estos momentos se me están cruzando por la cabeza una cantidad considerables de bandas, que podemos decir que son independientes, pero que son encasillados en "Rock Alternativo". Como también las bandas del mítico sello discográfico 4AD.

Por lo que leí, podemos decir, en todo caso, que la música indie es aquella en la cual el músico o la banda graban su disco, en forma totalmente independiente de un sello discográfico…¿Me estoy haciendo un lio?.

También en la wikipedia, podemos leer que "A finales de los 80 el término indie se asoció a bandas de pop y de rock que llevaban más allá todas las influencias recogidas hasta el momento, todavía sin denominación, en el que se mezclaba el rock, el punk, la vanguardia y la experimentación, y otros tipos de músicas para llegar a un pop muy simple o muy elaborado -según el artista- editado en sellos independientes a ambos lados del Atlántico. Tal es el caso de Sonic Youth, Band Of Susans, Hüsker Dü, The Lilys, Violent Femmes, Pixies, Dinosaur Jr, My Bloody Valentine, Spacemen 3, Yo La Tengo, etc. Estos grupos se caracterizaban por hacer una música que en el fondo era pop, pero que podía diferir sobremanera en la forma o estilo."

Bueno, bueno… esas bandas las tenía etiquetadas dentro del rock alternativo… en fin.

Tantas vueltas no?. Tal vez no me estoy enterando de la diferencia. Si alguien lo sabe que me lo diga.

Con este artículo quiero introducir bandas que para mí son novedosas, otras que son muy conocidas, otras solamente tienen un público reducido, pero que están catalogadas en este género musical.

Aquí hay una lista de bandas consideradas "Indie".

Stevie Ray Vaughan fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros del blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix u Otis Rush, furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.

Sus hits más famosos incluyen temas como "The house is rockin", "Scuttle Buttin", "Testify", "Pride And Joy" y "Rude Mood" entre otros. Contribuyó en un disco de David Bowie (Let’s Dance), tocó en privado para los Rolling Stones y ganó casi todos los galardones que un guitarrista de blues puede ganar.

Stevie Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 y se crió en el vecindario Oak Cliff en Dallas, Texas. Ninguno de sus padres tenía ningún importante ni destacado talento musical, pero eran ávidos fanáticos y melómanos de la música en sus distintos géneros. Usualmente llevaban al pequeño Stevie Ray Vughan y a su hijo mayor, Jimmie, a conciertos de Fats Domino, Jimmy Reed y Bob Wills. Aunque Stevie inicialmente quería tocar la batería como primer instrumento, a los ocho años de edad le regalaron una guitarra.

Su primer banda se llamó Paul Ray y las Cobras. Ellos tocaban en los clubes y bares de Austin durante mediados de los 1970. Junto a esta banda, Stevie grabó su primer simple. Luego grabó otros dos bajo el nombre de la banda "Las Cobras".

Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), con Johnny Reno (saxofón), Jackie Newhouse (bajo) y Fredde Pharoah (batería). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York’s Danceteria el 22 de Abril de 1982. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocan en el Festival Internacional de Jazz de Montreux, Suiza, siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron chiflados pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, y dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de SRV: "Live At Montreux".

Stevie Ray progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuye con un disco de David Bowie y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records. Solo en 1983 sale su primer álbum, Texas Flood, luego de años de trabajo. Las repercusiones no se hicieron esperar, y Stevie fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", siendo junto con Jeff Beck (1976) el único en ganar 3 premios en un año, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.

En 1984 es lanzado su segundo álbum: "Couldn’t Stand The Weather". Ese mismo año, en el 4 de Octubre, Stevie cumple 30 años, y los festeja con un enorme recital en el Carneghie Hall de New York, con los invitados Jimmie Vaughan (2da guitarra, hermano de Stevie), Angela Strehli (voces), Dr. John (piano) y George Rains (batería). Stevie le dice al público que es el mejor cumpleaños de su vida. Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre, Stevie gana dos National Blues Award por "Best Entertainer". Es la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

Hacia mediados de 1986, la adicción a las drogas y al alcohol afectaros considerablemente al guitarrista. La cocaína y el whisky estaban entre sus preferidos. Luego de caer sumamente enfermo en Alemania, en una de sus giras, el músico consiguió tocar en tres shows más, y finalmente lo internaron en un hospital de Londres.

Posteriormente voló hacia Atlanta, Georgia, para instalarse en un centro de rehabilitación. Consigue mantenerse sobrio desde el 13 de Octubre hasta su último día. Stevie hace un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. Stevie aparece también en la película "Back to the Beach" tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con: Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron: su presentación en las fiestas inagurales de la presidencia de George Bush el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acustica de 12 cuerdas. En 1990 se lanza su disco "Family Style", que graba junto con su hermano.

El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las 5 personas que iban a bordo mueren. Una investigación posterior declara que se debió a un error del piloto.

Al momento de hacer este post, estoy escuchando: Stevie Ray Vaughan - The First Thunder, estoy en un éxtasis musical.

Stevie Ray Vaughan – Texas Flood

Stevie Ray Vaughan – leave my little girl alone

Para que conozcan quiénes son, les pondré la reseña de su espacio:

DOLMEN es formado en el año 1998 por Julian y Fernando Bonino, en la ciudad de Avellaneda, en Buenos Aires, Argentina, luego de la disolución de SIGMA, banda de power metal. La banda realizó varios shows en Buenos Aires, y finalmente luego de 10 años, logran grabar su primer disco, "Anhelos Ancestrales", producido por Julian Bonino. El estilo de DOLMEN se denomina Metal Ancestral, ya que fusiona el metal con melodías de antaño. "Un viaje hacia el templo de los sentidos."Esta obra fue inspirada y dedicada a la memoria de John O.Donohue. Grabado, Mezclado y Masterizado por Julián Bonino en los estudios OZONO de ANCESTRAL RECORDS, Wilde, Bs.As. Argentina. Ya disponible, el EP del con dos canciones del mas puro metal ancestral! Visita tambien el sitio web de nuestra productora ANCESTRAL RECORDS en www.ancestraltunes.com VIVA LA MUSICA!!!" Que tengas el coraje de conocer tu anhelo ancestral" .

Esperamos poder escuchar pronto su disco, proque lo que escuche promete ser una banda que dará para hablar.

Con el permiso de los chicos de Dolmen, nos tomamos el atrevimiento de poner un tema vuestro, ya que nuestra forma de trabajo es ésta: cada banda se pondrá un tema o un video para que nuestros lectores puedan escucharlo.